프랭크 스텔라
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1. 개요
프랭크 스텔라는 1936년 매사추세츠주에서 태어난 미국의 화가이자 조각가이다. 그는 미니멀리즘과 포스트 페인터리 추상을 탐구하며, 1950년대 후반 뉴욕으로 이주하여 "검은 그림들" 시리즈를 통해 주목받았다. 스텔라는 형태가 있는 캔버스와 색채를 도입하고, 조각으로의 확장을 시도하며, 1980년대 중반부터 1990년대 중반까지 허먼 멜빌의 소설 '모비 딕'을 주제로 한 대규모 작품을 제작했다. 2000년대 이후에는 디지털 기술을 활용하여 작품 활동을 이어갔으며, 2024년 림프종으로 사망했다. 그는 또한 아티스트 권리 옹호 활동을 펼쳤으며, 1984년 찰스 엘리엇 노턴 강좌를 통해 추상 미술의 재생을 촉구하고, 2009년 미국 예술훈장을 수여받았다.
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| 프랭크 스텔라 - [인물]에 관한 문서 | |
|---|---|
| 기본 정보 | |
 | |
| 본명 | 프랭크 필립 스텔라 |
| 출생일 | 1936년 5월 12일 |
| 출생지 | 미국 매사추세츠주 몰든 |
| 사망일 | 2024년 5월 4일 |
| 사망지 | 미국 뉴욕주 뉴욕시 |
| 국적 | 미국 |
| 교육 | 프린스턴 대학교 |
| 직업 | 화가, 판화 제작자, 조각가, 건축가 |
| 활동 시기 | 현대 미술 |
| 사조 | 모더니즘 미니멀 아트 추상 표현주의 기하학적 추상 추상 환영주의 서정적 추상 하드 에지 회화 형태캔버스 회화 색면 회화 |
| 수상 | |
| 수상 내역 | 찰스 엘리엇 노턴 강연 (1984) - 하버드 대학교 국가 예술 훈장 (2009) 국제 조각 센터 평생 공로상 (2011) |
2. 생애
프랭크 스텔라는 1936년 5월 12일 매사추세츠주 멀든에서 1세대 이탈리아계 미국인 부모의 세 자녀 중 맏이로 태어났다.[1] 그의 조부모는 20세기 초 시칠리아에서 미국으로 이민 왔다. 그의 아버지 프랭크 시니어는 산부인과 의사였고, 어머니 콘스탄스(콘스탄스 산토넬리 출신)는 가정주부이자 예술가였다.[2] 어머니는 패션 스쿨에 다녔고 후에 풍경화를 그리기 시작했다.[3] 그의 아버지는 의과대학 학비를 마련하기 위해 집을 페인트 칠했고, 어린 스텔라는 그의 조수였다. 수년 후 그는 한 인터뷰에서 이렇게 말했다. "아버지는 저에게 바닥을 사포질하게 했습니다. 붓을 들고 벽에 페인트칠을 하기 전에 사포질과 긁어내는 작업을 해야 했습니다. 그래서 그런 종류의 도제 수업과 익숙함이었습니다."[4]
스텔라는 매사추세츠주 앤도버의 필립스 아카데미에서 고등학교를 다녔다.[5][43] 나중에 미니멀리스트 조각가가 된 칼 앤드레는 그보다 한 학년 위였지만, 앤드레는 그들이 실제로 만난 적이 없다고 말했다.[6] 2학년 때, 학교 교사인 추상 표현주의 화가 패트릭 모건이 스텔라에게 그림을 가르치기 시작했다. 이때 스텔라는 바우하우스의 색채 이론가 요제프 알베르스와 영향력 있는 초기 추상표현주의 화가 한스 호프만의 작품에 특히 영향을 받았다. 프린스턴 대학교에 입학하여 역사학을 전공하고 라크로스와 레슬링을 한 후,[4] 스텔라는 미술 수업을 듣고, 학교 교수이자 화가인 스티븐 그린과 미술사학자인 윌리엄 C. 자이츠를 통해 뉴욕 미술계에 소개되었다. 그들은 그를 뉴욕의 전시회에 데려갔다. 그의 작품은 추상표현주의의 영향을 받았다.[1]
2. 1. 초기 생애 및 교육 (1936-1958)
프랭크 스텔라는 1936년 매사추세츠주 보스턴 교외 몰든에서 태어났다.[68] 프린스턴 대학교에서 미술사를 전공했다.[68] 초기에는 미니멀 아트 풍의 작품, 대칭적인 색면 구성의 "하드 에지 페인팅"(색면의 윤곽이 두드러지는 화풍) 풍의 작품을 제작했다. 1980년대 이후 작풍을 크게 바꾸어 다양한 색채가 사용된 다양한 형태의 파편, 비틀린 평면, 입체물이 대형 화면에 붙여지거나 그대로 조합되어 벽면이나 바닥에 놓인, 2차원의 틀을 넘어 폭발하는 회화이기도 하고 조각이기도 한 역동적인 작품을 제작했다.2. 2. 뉴욕 이주와 초기 작품 활동 (1958-1960년대 후반)
1950년대 후반 뉴욕으로 이주한 후, 스텔라는 그림을 물체로서 강조하는 작품들을 제작하기 시작했다. 뉴욕의 미술관들을 방문하여 프란츠 클라인과 잭슨 폴록과 같은 작가들의 추상 표현주의 작품에 접하면서 그의 예술가로서의 성장에 큰 영향을 받았다.[8]1958년에서 1959년 사이에 기존의 회화 구성에 대한 관념에 반하는 "검은 그림들" 시리즈를 제작했다. 22세의 나이에 상업용 에나멜 페인트와 집 페인트칠용 붓을 사용하여 캔버스에 같은 너비의 검은 줄무늬를 균일하게 간격을 두고 칠했고, 그 사이의 얇은 캔버스 부분은 칠하지 않고 노출시켰으며, 연필과 자로 그린 가이드라인도 남겨두었다.[9] 제2차 세계 대전 이후 성장한 추상 표현주의 운동에 대한 그의 반응인 이 그림들은 색채가 없었고 시각적 자극이 없도록 의도되었다.[10] "깃발을 높이!" (1959)는 "검은 그림들" 시리즈 중 하나로, 나치당의 당가인 "호르스트 베셀 노래"의 첫 구절("깃발을 높이!"[11])에서 따온 것이다.[12] 스텔라 자신에 따르면 이 그림은 나치 조직이 사용한 깃발과 비슷한 비율을 가지고 있다.[13]
스텔라의 작품은 1950년대 후반 미니멀리즘 운동의 촉매제가 되었으며, 그는 감정 표현의 수단으로서의 예술 개념을 부인하고 그림에 사용된 재료의 특성을 강조했다.[26] 1959년 뉴욕 미술계에서 현대미술관의 "16명의 미국인" 전시회에 네 점의 검은색 가는 줄무늬 그림을 선보이며 주목을 받았다.[8] 루이즈 네벨슨, 엘스워스 켈리, 재스퍼 존스, 로버트 라우센버그의 작품들과 함께 전시되었다.[4] 그는 자신의 예술에 환원주의적 접근 방식을 취하면서 모든 그림을 "페인트가 칠해진 평평한 표면일 뿐이다 – 그 이상도 이하도 아니다"라고 말했다.[14] 같은 해, 그의 그림 몇 점이 오벌린 대학교의 앨런 기념 미술관에서 열린 "세 명의 젊은 미국인" 전시회에 포함되었다.[8] 1년 후, 화상 레오 카스텔리의 뉴욕 갤러리에서 첫 개인전을 열었지만 판매는 저조했다. 스텔라는 홀리스 프램프턴과 칼 앤드레와 스튜디오를 공유했는데, 둘 다 필립스 아카데미 출신이었고, 그는 싸구려 냉수 난방 아파트를 빌리고 집을 페인트칠하는 일로 생계를 유지했다.[4]
스텔라는 비평가들이 그의 작품을 해석하려는 모든 노력을 거부했다. 1964년 도널드 저드와 댄 플래빈과 함께 현대 미술에 대한 토론 방송에서[15] 그는 화가로서 자신의 관심사를 다음과 같이 요약했다. "나의 그림은 거기에 보이는 것만이 '있다'는 사실에 기반한다. 그것은 정말로 하나의 물체이다… 내 그림에서 누군가가 얻기를 바라는 것, 그리고 내가 그림에서 얻는 것은 혼란 없이 전체 아이디어를 볼 수 있다는 사실이다… 보이는 것이 전부다."[16] 많이 인용되는 이 동어반복적인 말, "보이는 것이 전부다"[9]는 ''뉴욕 타임스''에 따르면 "미니멀리즘 운동의 비공식적인 모토"가 되었다.[17]
1960년부터 그의 작품은 형태가 있는 캔버스를 사용했으며,[18] 1966년에는 "불규칙 다각형" 시리즈(67)와 같이 더욱 정교한 디자인으로 발전했다.[19] 1961년 스텔라는 나중에 유명한 미술 비평가가 된 바바라 로즈를 따라 스페인 팜플로나로 갔는데, 그녀는 풀브라이트 장학금을 받고 있었다. 그들은 그해 11월 런던에서 결혼했다. 뉴욕으로 돌아온 후, 로즈와 스텔라는 맨해튼 유니언 스퀘어 근처 아파트에 살면서 두 아이를 두었다. 1969년에 헤어진 후, 로즈는 미니멀리즘과의 관계를 재고하기 시작하여 덜 알려진 화가들을 지지하기 시작했다.[21]
초기에는 미니멀 아트풍의 작품, 대칭적인 색면 구성의 "하드 에지 페인팅"(색면의 윤곽이 두드러지는 화풍) 풍의 작품을 제작했다.
2. 3. 형태가 있는 캔버스와 색채의 도입 (1960년대 후반-1970년대)
1967년, 프랭크 스텔라는 머스 커닝햄의 무용 작품 《스크램블》의 무대 디자인과 의상을 제작했다.[22] 같은 해, 그는 《각도기 시리즈》(1967–71)를 시작했는데, 이 작품들은 정사각형 테두리 안에 원호가 때때로 겹쳐 나타나는 형태를 띠고 있으며,[23] 1960년대 초 중동을 여행하면서 방문했던 원형 도시의 이름을 따서 명명되었다.[24][25] 그는 특히 이란의 건축과 예술에서 관찰한 아치와 장식 패턴에 매료되었다. 그의 회화 작품인 《각도기 변주곡 I》(1969)는 페레스 미술관(Pérez Art Museum Miami)에 소장되어 있으며, 1960년대 후반 이후 그의 작품에 나타나는 활기찬 색채와 형식적 복잡성으로의 전환을 보여주는 대표적인 예시이다. 이 작품은 그의 형태가 있는 캔버스 실험을 보여주는 전형적인 예로, 이미지가 윤곽선에 의해 설정되는 혁신적인 회화를 제작했다.[26]
1969년, 스텔라는 메트로폴리탄 미술관 100주년 기념 로고 제작을 의뢰받았다.[27] 뉴욕의 현대미술관은 1970년 스텔라의 회고전을 개최하여 그를 회고전을 가진 최연소 예술가로 만들었다.[28] 스텔라는 베네치아 비엔날레(1970)의 제35회 미술 비엔날레에 참여하도록 초청받았으나, 베트남 전쟁과 캄보디아 전쟁에 반대하는 예술가들의 보이콧에 동참하여 미국관 전시에서 자신의 작품을 철회했다.[29]
이후 10년 동안, 그는 더욱 특이한 색 구성표와 형태를 채택하기 시작하면서,[30] 조각적 속성을 지녔기 때문에 "극대주의" 회화라고 불렀던 부조 요소를 그의 예술 작품에 도입했다.[22] 1970년대 중반, 스텔라는 합리적인 구조를 버리고 새롭고 개성적인 길을 탐구하기 시작했다. 그는 단색 평면을 구불구불한 선, 격자, 소용돌이치는 색상으로 대체했다. 복합적인 요소들이 그의 캔버스에서 사방으로 돌출되기 시작했고, 벽에 걸린 그의 그림은 기이한 조각으로 발전했다.[30] 1970년대와 1980년대를 거치면서 그의 작품이 더욱 자유롭고 복잡해짐에 따라 그의 미니멀리즘은 바로크 양식으로 변모했다.[22]
1976년, 스텔라는 BMW로부터 BMW 아트카 시리즈의 두 번째 작품으로 BMW 3.0 CSL에 그림을 그릴 것을 의뢰받았다.[32] 그는 이 프로젝트에 대해 "아트카의 출발점은 레이싱 리버리였습니다. 그래프 용지는 그저 그래프일 뿐이지만, 자동차의 형태 위로 변형되면 흥미로워집니다. 이론적으로는 형태가 있는 캔버스에 그림을 그리는 것과 같습니다."라고 언급했다.[33]
그는 1978년 소아과 의사 해리엇 맥거크와 결혼했다.[4]
2. 4. 극대주의와 조각으로의 확장 (1970년대-1980년대)
1970년대부터 스텔라는 극대주의적 경향을 띠며 조각으로의 확장을 시도했다.[2] 1980년대 중반부터 1990년대 중반까지는 허먼 멜빌의 소설 ''모비 딕''을 주제로 한 대규모 작품들을 제작했다.[2] 이 시기 그의 작품은 부조가 두드러지고, 깊게 파는 작업이 이루어지면서 장식적인 건축 요소에서 파생된 3차원적인 조각 형태로 발전했다. 프랑스 곡선, 기둥, 파도, 원뿔 등이 작품에 통합되었다.[22] 이러한 작품 제작에는 콜라주나 축소 모형이 사용되었고, 이후 조수들이 디지털 기술과 산업용 금속 절단기를 이용하여 원본 사양대로 확대했다.[22]1993년에는 토론토의 프린세스 오브 웨일즈 극장을 위해 돔 천장, 프로시니엄 아치, 건물 외부 뒷벽을 덮는 1만 평방피트(약 929제곱미터)의 벽화 설치 작품을 디자인하고 제작했다.[22][34] 돔 벽화는 컴퓨터로 생성된 이미지를 기반으로 했다.[35] 1997년에는 텍사스주 휴스턴에 있는 휴스턴 대학교의 레베카와 존 J. 무어스 음악대학 무어스 오페라하우스에 5,000평방피트(약 465제곱미터) 규모의 ''유포니아'' 설치를 감독했다.[36][37] 그의 기념비적인 조각 작품인 ''프린츠 프리드리히 폰 훔볼트, 아인 샤우스필, 3X''는 워싱턴 D.C.의 워싱턴 D.C. 국립 미술관 외부에 설치되었다.[38][39]
1978년부터 2005년까지 스텔라는 맨해튼 이스트 빌리지에 있는 반 태설 앤 커니 호스 옥션 마트 건물을 소유하고 스튜디오로 사용했으며, 그 결과 건물 외관이 복원되었다.[40] 그리니치 빌리지 역사 보존 협회의 6년간의 노력 끝에 이 역사적인 건물은 2012년 뉴욕시 랜드마크로 지정되었다.[41] 2005년 이후 스텔라는 웨스트 빌리지 아파트와 뉴버그(뉴욕주) 스튜디오에서 시간을 나누어 보냈다.[42]
2006년에 시작된 ''스칼라티 K'' 시리즈는 8개의 작품으로 구성되며, 3D 프린터를 사용하여 금속과 수지 세그먼트를 만들었다.[43] 이 시리즈의 제목은 도메니코 스칼라티와 랄프 커크패트릭을 가리킨다. 스텔라는 스칼라티의 소나타에서 영감을 받았으며, 그의 시리즈 작품들은 시각적 리듬과 움직임을 통해 스칼라티의 음악을 추상적으로 암시한다.[44] 2012년까지 이 시리즈의 새로운 작품들을 계속 제작했다.[45]
2010년대 초, 스텔라는 컴퓨터를 회화 도구로 사용하여 독립적인 별 모양 조각을 제작하기 시작했다.[46] 2021년 7 월드 트레이드 센터에 설치된 그의 조각 ''재스퍼의 분할된 별''(2017)은 2001년 9.11 테러로 파괴된 원래 월드 트레이드 센터 로비에 전시되었던 그의 그림 ''라에스트리고니아 I''과 ''텔레필루스 라에스트리고니아 II''를 대체하기 위해 제작되었다.[43]
2022년 말, 스텔라는 아티스트 권리 협회(ARS)와 협력하여 ''지오메트리'' 프로젝트를 위한 첫 번째 NFT(대체 불가능 토큰)를 출시했다.[48]
2. 5. 모비 딕과 건축적 조각 (1980년대-1990년대)
1980년대 중반부터 1990년대 중반까지 스텔라는 허먼 멜빌의 소설 ''모비 딕''을 광범위하게 다룬 방대한 작품들을 제작했다.[2] 이 시기 그의 작품들은 부조가 점점 더 높아지고 더욱 밑을 파내는 작업을 거치면서 결국 장식적인 건축 요소에서 파생된 완전히 3차원적인 조각 형태로 이어졌다. 여기에는 프랑스 곡선, 기둥, 파도, 원뿔 등이 통합되었다. 이러한 작품들을 제작하기 위해 그는 콜라주나 축소 모형을 만들었고, 이후 조수들은 디지털 기술과 산업용 금속 절단기를 사용하여 원본의 사양에 따라 확대했다.[22]1993년 그는 토론토의 프린세스 오브 웨일즈 극장을 위해 돔 천장, 프로시니엄 아치, 건물의 외부 뒷벽을 덮는 1만 평방피트의 벽화 설치 작품을 디자인하고 제작했다.[22][34] 돔을 위한 벽화는 컴퓨터로 생성된 이미지를 기반으로 했다.[35] 1997년 그는 텍사스주 휴스턴에 있는 휴스턴 대학교의 레베카와 존 J. 무어스 음악대학 무어스 오페라하우스에 5,000평방피트 규모의 ''유포니아'' 설치를 감독했다.[36][37] 그의 기념비적인 조각 작품인 ''프린츠 프리드리히 폰 훔볼트, 아인 샤우스필, 3X''는 워싱턴 D.C.의 워싱턴 D.C. 국립 미술관 외부에 설치되었다.[38][39]
2. 6. 후기 작품 활동과 디지털 기술의 활용 (2000년대-2024년)
프랭크 스텔라는 1980년대 중반부터 1990년대 중반까지 허먼 멜빌의 소설 ''모비 딕''을 주제로 한 대규모 작품들을 제작했다.[2] 이 시기 그의 작품들은 부조가 점점 더 높아지고 더욱 밑을 파내는 작업을 거치면서 장식적인 건축 요소에서 파생된 3차원적인 조각 형태로 발전했다. 여기에는 프랑스 곡선, 기둥, 파도, 원뿔 등이 사용되었다. 이러한 작품들을 제작하기 위해 그는 콜라주나 축소 모형을 만들었고, 이후 조수들은 디지털 기술과 산업용 금속 절단기를 사용하여 원본의 사양에 따라 확대했다.[22]1993년, 스텔라는 토론토의 프린세스 오브 웨일즈 극장을 위해 돔 천장, 프로시니엄 아치, 건물의 외부 뒷벽을 덮는 1만 평방피트(929㎡)의 벽화 설치 작품을 디자인하고 제작했다.[22][34] 돔을 위한 벽화는 컴퓨터로 생성된 이미지를 기반으로 했다.[35] 1997년 그는 텍사스주 휴스턴에 있는 휴스턴 대학교의 레베카와 존 J. 무어스 음악대학 무어스 오페라하우스에 5,000평방피트(465㎡) 규모의 ''유포니아'' 설치를 감독했다.[36][37] 그의 기념비적인 조각 작품인 ''프린츠 프리드리히 폰 훔볼트, 아인 샤우스필, 3X''는 워싱턴 D.C.의 워싱턴 D.C. 국립 미술관 외부에 설치되었다.[38][39]
1978년부터 2005년까지 스텔라는 맨해튼 이스트 빌리지에 있는 반 태설 앤 커니 호스 옥션 마트 건물을 소유하고 스튜디오로 사용했으며, 그 결과 건물 외관이 복원되었다.[40] 그리니치 빌리지 역사 보존 협회의 6년간의 노력 끝에 이 역사적인 건물은 2012년 뉴욕시 랜드마크로 지정되었다.[41] 2005년 이후 스텔라는 웨스트 빌리지 아파트와 뉴버그(뉴욕주) 스튜디오에서 시간을 나누어 보냈다.[42]
2006년에 시작된 ''스칼라티 K'' 시리즈는 도메니코 스칼라티와 랄프 커크패트릭의 이름을 따서 명명되었으며, 3D 프린터를 사용하여 금속과 수지 세그먼트를 만들었다.[43] 스텔라는 2012년까지 이 시리즈의 새로운 작품들을 계속 제작했다. 이 작품들은 그 해 프리드먼 미술관에서 전시되었고, 스텔라는 이 시리즈에 대한 작품에 대해 언급했다.[45] 뉴욕 미술 및 디자인 박물관의 큐레이터인 론 라바코는 컴퓨터를 이용한 작품을 선보이는 전시회 ''손에서 벗어나: 포스트디지털 물질화''(2013-14)에서 스텔라의 작품을 전시했다.[43]
2010년대 초 스텔라는 컴퓨터를 회화 도구로 사용하여 독립적인 별 모양 조각을 제작하기 시작했다.[46] 그의 조각 ''재스퍼의 분할된 별''(2017)은 2021년 7 월드 트레이드 센터에 설치되었다.[47] 이것은 2001년 9.11 테러로 파괴된 원래 월드 트레이드 센터 로비에 전시되었던 그의 그림을 대체하기 위해 제작되었다.[43]
2022년 말 스텔라는 아티스트 권리 협회(ARS)와 협력하여 ''지오메트리'' 프로젝트를 위한 첫 번째 NFT(대체 불가능 토큰)를 출시했다. 여기에는 NFT의 예술 작품을 3D 프린팅할 수 있는 CAD 파일에 대한 권리가 포함된다.[48]
2. 7. 사망
프랭크 스텔라는 1961년부터 1969년까지 미술사학자 바바라 로즈(Barbara Rose)와 결혼했으며, 레이첼과 마이클 두 자녀를 두었다.[20] 사망 당시 그는 소아과 의사 해리엇 E. 맥거크(Harriet E. McGurk)와 결혼한 상태였다.[17] 그들은 패트릭과 피터 두 아들을 두었다.[17] 또한 그는 두 번의 결혼 사이에 셜리 드 레모스 와이즈(Shirley De Lemos Wyse)와의 관계에서 딸 로라를 두었다.[17]스텔라는 2024년 5월 4일, 88번째 생일 8일 전 맨해튼 웨스트 빌리지(West Village) 자택에서 림프종으로 사망했다.[17] 매사추세츠주 보스턴 교외 몰든(Malden)에서 태어나 프린스턴 대학교에서 미술사를 전공했다.[68]
2024년 5월 4일, 뉴욕주 뉴욕 맨해튼 자택에서 림프종(악성림프종)으로 사망했다.[69][70]
3. 예술적 특징 및 영향
3. 1. 미니멀리즘과 포스트-페인터리 추상
클라우스 오트만은 프랭크 스텔라의 《검은 그림들》(1958-60)이 뉴욕 현대미술관의 "16명의 미국인들"(1959-1960) 전시회에 소개되었을 때, 많은 미술 평론가들이 분노했다고 말한다. 어빙 샌들러는 이러한 단순하고 함축적이지 않은 그림들이 미국 추상표현주의 회화의 종말을 가져왔다고 주장했다.[59] 메건 오그래디에 따르면, 미술 평론가들은 의도적으로 평평한 감정, 극단적인 단순함, 그리고 "타협을 거부하는" 태도를 보인 《검은 그림들》에 충격을 받았다고 한다.[4] 오트만은 "오늘날 이 작품들은 20세기 미국 미술의 기념비적인 작품으로 널리 인정받고 있다."라고 평가했다.[59]더글러스 크림프는 다른 모든 것과 분리되고 자율적인 존재로서의 예술이라는 개념은 모더니즘의 논리에서 비롯되며, 1980년대까지 현대 회화에서 유지되는 개념이라고 썼다. 크림프는 1970년대 후반 프랭크 스텔라의 작품에서 일어난 스타일 변화는 회화의 이러한 미술사적 관점과 회화 관행을 유지하는 방식을 구현한 것이라고 보았다. 그는 스텔라가 초기 작품들에 의해 이끌어낸 추론에 대해 깊은 고뇌 속에서 작업하며, 초기 작품들로부터 점점 더 멀어지고, 새로운 시리즈마다 더욱 강력하게 부인한다고 보았다. [62]
1982년 애디슨 미국 미술관에서 스텔라의 대형 작품들을 감상한 케네스 베이커는 반대 의견을 제시했다. 그는 스텔라의 스타일은 이러한 물체의 디자인에 전적으로 있으며, 그 디자인은 그다지 흥미롭지 않다고 평가했다.[63]
2015년 휘트니 미국 미술관에서 열린 프랭크 스텔라 회고전에서 제리 살츠는 스텔라를 "재료, 형태, 색상의 인식을 가능한 한 직접적으로 다룬 최초의 예술가", "최초의 하드코어 미니멀리스트 화가", 그리고 "1960년대 후반과 1970년대를 특징짓는 포스트미니멀리즘의 선구자"로 묘사했다.[64]
3. 2. 형태가 있는 캔버스와 극대주의
3. 3. 조각으로의 확장과 디지털 기술의 활용
4. 예술가의 권리 옹호 활동
프랭크 스텔라는 2008년 6월 1일, 아티스트 권리 협회(Artists Rights Society) 회장 테오도어 페더와 함께 ''더 아트 뉴스페이퍼(The Art Newspaper)''에 칼럼을 기고하여 미국 고아 저작물 법안을 비판했다.[49]
스텔라는 기고문에서 저작권청이 저작권 보유자를 찾기 위해 "선의로 합리적인 노력"을 기울였다고 판단되는 침해자에게 처벌을 면제하는 것에 대해 우려를 표했다. 그는 이러한 판단이 전적으로 침해자에게 달려있다는 점을 지적하며, 화가와 삽화가들이 자신의 작품 복제본 판매를 통해 생계를 유지하는 능력에 부정적인 영향을 미칠 것이라고 주장했다.[50]
5. 주요 작품
- 게티 묘(제1버전)(1959년, 오사카 나카노시마 미술관)[71]
- 그랑 카이로(1962년, 뉴욕, 휘트니 미술관)
6. 수상 및 영예
스텔라는 1984년에 찰스 엘리엇 노턴 강좌를 했는데, 이 강좌에서 바로크 회화의 깊이를 달성하여 추상 미술의 재생을 촉구했다.[56] 여섯 번의 강연은 1986년에 하버드대학교 출판부에서 ''Working Space''라는 제목으로 출판되었다.[57]
2009년, 버락 오바마 대통령으로부터 미국 예술훈장을 받았다.[58] 2011년에는 국제 조각 센터에서 현대 조각 부문 평생 공로상을 수상했다.[59] 1996년에는 독일 예나의 예나 대학교에서 명예 박사 학위를 받았는데, 그의 대형 조각 작품인 ''허드슨 강 계곡'' 시리즈가 영구적으로 전시되어 1906년 오귀스트 로댕 이후 두 번째로 이 명예 학위를 받은 예술가가 되었다.[60]
그는 버밍햄 미술관에서 20세기 회화에서 "어떤 그림적 환상이나 심리적 또는 형이상학적 언급도 없는" 추상화를 창작한 것으로 칭송받았다.[61]
7. 작품 갤러리
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